ИНФОРМАЦИЯ

Зачем нужны художники


Зачем нужны художники и какое место они занимают в обществе?

Со 2 декабря по 17 января 2021 года в Aspan Gallery проходит коллективная выставка центральноазиатских авторов «Корабль плывёт» о роли художника в обществе. В рамках выставки представлены разные точки зрения известных художников Центральной Азии разных поколений: Рустам Хальфин, Сергей Маслов, Улан Джапаров, Елена и Виктор Воробьевы и другие.

Собрали высказывания и ответы художников-участников на вопрос о том, что они думают о месте и предназначении художников.


Сергей Маслов

«Портрет девушки (Гузель)»

Сергей Маслов был одним из главных мифотворцев Центральной Азии и представлялся то братом Джоконды, то инопланетянином, то любовником Уитни Хьюстон. Живопись художника неразрывно связана с его текстами, поэтому в галерее продемонстрированы его картины из частных коллекций в сопровождении текстов из его дневников, описаний проектов и писем, в интерпретации Елены и Виктора Воробьевых.

Я хотел, чтобы человек перед моими произведениями испытывал ощущение настоящего счастья или ужаса. Чтобы мужчины, посмотрев на девушек, которых я рисую, влюблялись в них сильнее, чем в настоящих…

Молдакул Нарымбетов

«Танец Матисса гр. Кызыл Трактор»

Работы рано ушедшего из жизни Молдакула Нарымбетова — художника-шамана, лидера группы «Кызыл трактор» — не показывались в Алматы уже много лет. На монументальном по размеру холсте Нарымбетов написал оммаж известной картине Анри Матисса «Танец». В композицию автор включил фигуры художников — соратников по «Кызыл трактору»: Смайла Баялиева, Арыстанбека Шалбаева, Виталия Симакова, Саида Атабекова и самого себя в процессе танца и музицирования, указывая на их собственные перформансы 1990-х годов, которые часто сопровождались шаманскими танцами и музыкой.

Улан Джапаров

«Корабль плывёт»

Кыргызстанский художник, куратор и архитектор Улан Джапаров покажет свое программное видео La nave va, снятое на острове Ольхон на Байкале. Собственно, работа Джапарова и дала название выставке «Корабль плывет». В видео художник проделывает перформанс — сначала делает бумажный кораблик, надевает на голову и ныряет в воду. Это действие заставляет бумажный кораблик плыть по поверхности озера самостоятельно. В перформансе затронуты темы судьбы художника, оставляющего после себя лишь исчезающий след, и освобождения человека в целом, растворения во Всеобщем.

Существование художника совриска в странах ЦА совпало с эпохой «перемен» — периодом становления национальных государств, с выработкой своей национальной идеологии, позволяющей все скреплять и в то же время — обслуживающей политические и финансово-экономические «элиты». Где-то параллельно формируются гражданские и субкультурные сообщества, альтернативные взгляды, эстетика, художественная среда. И тем, и другим периодически нужен выход во внешний мир и некие символические послания, представляющие разные интерпретации происходящего.

Многие художники начинают играть на этом поле — заигрывая с государственными структурами и программами, официальной идеологией либо педалируя на изнаночную сторону ЦА-действительности, подвергая иронии и критике доминирующую парадигму. Конечно, здесь обозначены некоторые крайности.

В отличие от более традиционных художников, которые давно нашли свою нишу, художников совриска постоянно «колбасит» в большом диапазоне — от представления очень личных историй, своего видения и специфического художественного языка до различных форм активизма, желания прямого воздействия на общественное сознание, государственную политику…. В этом и их сила и их слабость, обусловленная вынужденной однозначностью трактовок и тем.

Но в любом из случаев — все упирается в харизму и личность художника, в его талант и чувство времени.

Достовернее и проще мне говорить от себя лично, исходя из некоторой практики. Почти все мои художественные работы —перформансы, фото и видео документирование их, фото-проекты, инсталляции и графические этюды — о «своем», о личном, актуальном в данный момент для меня. В то же время в каждой такой работе, как в капле воды, отражаются и общественные проблемы, парадоксы формирования страны, требующие определенного осмысления, возможно и некоторых действий или противодействий. Мне ближе некий мультипликативный эффект от взаимодействия художника с «обществом».

У каждого поколения художников своя миссия, свой художественный язык, свой особый акцент в описании своей практики. Задачи в 90-ых сильно отличались от того, чем озадачены были художники 2010-ых.

Конечно, можно что угодно заявлять, занимать различные позиции или позы, но в конечном счете в какой-то момент художнику приходится расплачиваться по векселям: кому-то — здоровьем, другим — с близкими, властью, а иногда и своей жизнью. В этом смысле Сергей Маслов, Рустам Хальфин, Молдакул Нарымбетов «играли» по-настоящему и платили по полной.

Елена и Виктор Воробьевы

«Художник за компьютером. Декоративно-концептуальное искусство в эпоху его массовой цифровой воспроизводимости»

Елена и Виктор Воробьевы представят два проекта, которые родились в 1990-х годах. Два рисунка изображают известную инсталляцию арт-дуэта «Художник спит» (1996), которая выставлялась на Венецианской биеннале в 2017 году. А плетеный холст с изображением Виктора Воробьева за компьютером в 1998 году на курсах по веб-дизайну для художников, организованных Центром современного искусства Сороса, заставляет задуматься о сущности акта творения и о роли технологии в искусстве.

Елена Воробьева:

«Во все времена художники относились к маргинальной части общества. Во всяком случае, их рассматривали как ремесленников, исполнителей заказов. Только единицы, благодаря мастерству и таланту, становились частью элиты, опять же, отвечая её запросам.

В ХХ веке искусством стали называть не сферу эстетического обслуживания религиозных культов или декоративно-прикладную часть оформления жизненного уклада зажиточной верхушки общества, а сферу, отвлеченную от бытового применения, приближенную к философскому осмыслению человеческой жизни.

Именно тогда, когда категория «искусство» вышла из своей эстетической прикладной ниши, художник стал медиатором, личностью, а не ремесленником, не представляющим большого интереса вне своих цеховых рамок.

Это не означает, что художники в большинстве своем не остаются в том же маргинальном поле, но значит, что некоторые из них могут в своих произведениях отвечать на (или задавать) вопросы, интересующие общество в целом (или в локальности) и выходить на топовую поверхность внимания социума. Тем самым влияние художника на общество становится заметным. Он может быть гением, шутом гороховым, страдальцем или шулером, но в нем видят важную фигуру, олицетворяющую современность.

Александр Угай

«Художник»

В ироничном совместном видео Александра Угая и Романа Маскалева в составе группы «Бронепоезд» авторы сначала спрашивают у прохожих, в чем социальная миссия художника и что значит быть художником. Во второй части художник пытается претворить в жизнь ответы обывателей.

Александр Угай:

Вопрос о роли художника возникает время от времени как у самих авторов, так и со стороны сообщества. Для меня это показатель определённой пассионарности, может быть поэтому этот дискурс более актуален и близок для молодого искусства. Хотя с позиций опыта и протяженной практики присутствует понимание, как минимум, профилактической пользы этого вопроса.

Ситуация «роль художника» имеет зеркальную конструкцию. С одной стороны есть желающий субъект, который каким-то образом себя представляет перед лицом Другого. Хочет, чтобы его художественная практика несла в себе эвристический, просвещенческий, эмансипаторный или гедонистический потенциал. Другой, скажем, в лице общественности, также имеет некие критерии и представления о роли художника. Сложность в том, что зачастую эти две взаимонаправленные интенции не совпадают по причине отсутствия точного определения объекта желания. Между тем эти несостыковки и есть реальное поле взаимодействия искусства и общества.


Выставка не старается дать исчерпывающий ответ на вопрос о роли художника, но показывает различные позиции. Несмотря на то что у художника может быть много ролей и они могут меняться с ходом времени, неизменным остается только одно — желание творить.

Часы работы галереи:

Вторник – суббота с 11:00 до 19:00
Воскресенье с 12:00 до 18:00

Адрес:

зал EXPO комплекса Villa Boutiques & Restaurants (Аль-Фараби, 140а).

Вход свободный

 


Читайте также: 

Казахстан откроет первый официальный павильон на Венецианской биеннале

Подборка грантов, стипендий и стажировок в сфере искусства

У кого в Казахстане самые низкие зарплаты?


Зачем вообще нужны художники и их живопись? | ART-кафе


Широко прославившийся в Древней Руси художник Феофан Грек работал так яростно, что до сих пор, через пять веков, мы видим отпечаток этого неистового вдохновения в энергичных мазках, бьющих в цель подобно снайперским пулям.

Эжен Делакруа. "Смерть Сарданапала"

Эжен Делакруа. "Смерть Сарданапала"

Француз Эжен Делакруа писал с таким темпераментом и быстротою, что очевидцы говорили: «Делакруа, пишущий картину, - это лев, пожирающий кусок мяса...» Сохранилось высказывание Делакруа, подтверждающее, что этой быстроте и стремительности сам мастер придавал решающее значение:

«Если вы не способны сделать набросок человека, падающего из окна четвёртого этажа, за то время, пока тот долетит до земли, - вы никогда не достигните чего-либо значительного», - говорил Делакруа ученикам.

Александр Дейнека. "Девушки в выходные дни" (фрагмент)

Александр Дейнека. "Девушки в выходные дни" (фрагмент)

Быстрее! Быстрее! Быстрее!... Эту задачу решают рабочие, спортсмены, пианисты, художники. Композитор пишет на партитуре «быстро», «ещё быстрее», «быстро, как только возможно», и всё же дальше, словно забыв о только что сказанном, добавляет: «Ещё быстрее!» Этого же добиваются и художники.

Вот свидетельство Александра Дейнеки:

«Я часами покрываю листки альбома такими безграмотными, школярскими и такими убедительными своей динамической правдой «снайперскими» набросками с динамовских прыгунов. Через каждую минуту в воздухе летит человек. Мгновение — на сетчатке глаза фиксируется силуэт летящего. Мгновение — и пока голова прыгуна выскакивает из воды рывком, врисовываю в лист впечатление...»

Художник «часами», днями, месяцами и годами тренирует быстроту своего зрительного восприятия и достигает результатов поистине необычайных, которые человеку неискушённому могут показаться чудом...

Денис Чернов. "Женский портрет"

Денис Чернов. "Женский портрет"

В одной из своих интересных статей о кибернетике академик А. Колмогоров утверждал, что количество информации, проходящее в единицу времени через мозг слаломиста, совершающего сложный спуск, превышает количество информации, проходящей через мозг учёного, решающего сложнейшую задачу.

Едва ли у художника, рисующего с удивляющей зрителя яростью и быстротой, проходит через мозг в единицу времени меньшее количество информации, чем через мозг слаломиста, совершающего головоломный спуск.

Художник David Jon Kassan в мастерской.

Художник David Jon Kassan в мастерской.

Что же это за процесс переноса зрительного впечатления на бумагу? Сеченов говорил, что глаз, охватывающий предмет, совершает в миниатюре то же самое движение, что и рука рисовальщика, очерчивающего этот предмет на листе бумаги.

Может быть, это процесс чисто механический, служащий только рисованию и не развивающий никаких более широких качеств? Нет, это процесс не механический. Он сложен чрезвычайно. Анализировать его можно без конца. Он бездонен и неисчерпаем.

Давид Кассан. "Jenn"

Давид Кассан. "Jenn"

Попробую коснуться хотя бы нескольких его сторон. Рисовальщик не пассивен. Он не просто, как чувствительная фотоплёнка, фиксирует в памяти предмет: он молниеносно оценивает, расчленяет, измеряет его. У него в глазу, по выражению Микеланджело, циркуль и линейка.

Но на сложном природном объекте рисования, на дереве, летящей птице, прыгающем в воду человеке не нанесены шкалы делений. Что с чем сравнить? Что измерить? К чему приложить заключённые в глазу, в самом взгляде рисовальщика циркуль и линейку?

Адам Нормандин. "Threshold Final"

Адам Нормандин. "Threshold Final"

Это сложные, конкретные задачи, которые каждый раз решаются по разному. «Искусство граничит со случайностью», - утверждал Гегель. И каждый раз индивидуальное решение, находимое рисовальщиком для изображения, для измерения именно этого объекта, граничит со случайностью.

«Граничит со случайностью» - это правда. Но каждый раз решение изобразительной задачи требует напряжённого интеллектуального усилия. «Рисовать — значит соображать», - без конца повторял своим ученикам Чистяков.

Синди Пресс.

Синди Пресс.

Рисовать стремительное движение человека или животного — значит не только быстро видеть, но и быстро соображать. Сам префикс со- в слове соображать означает соединение, связку. Что же с чем нужно связывать? Всё со всем.

-Мы привыкли следить за сменой выражений человеческого лица. Лицо мы хорошо знаем. Приходит к вам друг, и, не успел он переступить порог, вы сразу спрашиваете: «Чем ты расстроен?» А пойди, возьми циркуль, попробуй измерь, где сместились мускулы лица, где ваш друг «расстроен». Не найдёте? То-то. А глаз видит сразу...

Джим Салвати. "Joan"

Джим Салвати. "Joan"

В этих ничтожных величинах и заключено сокровенное «чуть-чуть» искусства, о котором твердил ученикам Карл Брюллов. Этот «волосок», это «чуть-чуть», конечно, важны не везде одинаково. Даже в учебном рисунке лица на «волосок» отступить нельзя: глаз зрителя сразу зафиксирует - «непохоже».

В изображении фигуры мера ошибок иная, но и здесь «волосок» допустимого отклонения не намного толще: иначе и фигура станет «непохожей». И чтобы изображение было похоже, надо сравнить всё со всем.

Войцех Сюдмак.

Войцех Сюдмак.

В художественных академиях тщательно изучают пропорции человека — чтобы многое о человеке знать. Но по миру не ходят люди с пропорциями их учебников: каждый раз рисовальщик должен наблюдать пропорции заново — с выученными идеальными пропорциями человека он может только сравнить.

Из необходимости сравнивать всё со всем рождаются странные профессиональные советы:

-Рисуешь ухо — смотри на пятку.

То есть держи в поле зрения общее, рисуя одну деталь, сравнивай её с другими — не только с ближайшими, но и с самой отдалённой (отсюда дистанция — от уха человека до его пятки).

Лю Юншенг.

Лю Юншенг.

Рисование — напряжённый, каторжный труд. Он изматывает рисовальщика, как трудный спуск спортсмена-слаломиста. Но тренирован должен быть не только глаз рисовальщика — отлично тренирована должна быть и его рука. Только одинаково отработанные, взаимосвязанные реакции руки и глаза дадут удивительный плод — стремительно возникающий на бумаге, точный и чёткий рисунок художника реалиста.

В заключение.


О Микеланджело, который утверждал, что в глазу человека должны находиться линейка и циркуль, рассказывали, что одним взмахом руки он мог нарисовать абсолютно точную, геометрически безупречную окружность. Это было одно из замечательных умений великого мастера, которому он вряд ли придавал большое значение.

Пожалуйста, оцените эту статью и подпишитесь на канал или поделитесь ссылкой на него в социальных сетях, если считаете его интересным. Большое спасибо!

Зачем сейчас нужны художники?

Группа «Зачем». Зачем. Лондон. 2015. 
Источник: mrebot.com

Спустя почти 20 лет «ХЖ» вновь задал свой вопрос всем, кто отвечал на него ранее. Сводя рядом ответы старые и новые, редакция стремилась зафиксировать, как изменились за прошедшие годы настроения и интересы художников, их представления о нужности искусства и о собственном назначении. Редакция «Артгида» благодарит редакцию «ХЖ» и лично основателя и главного редактора издания Виктора Мизиано за возможность републикации этого материала.

Анатолий Осмоловский
«ХЖ» № 9

Современный художник сейчас — это специалист по нестандартной коммуникации, взаимодействию с обществом. Этим своим качеством он может быть функционально полезен обществу. Но главная его миссия — удерживать в себе негативность трансценденции, максимально экспериментируя и рискуя своим здоровьем, именем, карьерой. Эта трансценденция может определяться по-разному: революция, капитал, бог, критика общества, борьба против власти логоцентризма и так далее. Основное ее отличие от других социальных мифов — тотализующая амбиция.

«ХЖ» № 101

В качестве риторического ответа воспользуюсь мыслью Адорно. Он писал что-то вроде: как только искусству придумывают какую-либо социальную функцию, эта функция начинает довлеть над ним, полностью его себе подчиняя.

В девяностых годах этот вопрос уже был задан. Я не помню точно, как я на него отвечал. Кажется, я сравнивал художника с комиссаром, то есть с таким своеобразным универсальным междисциплинарным менеджером, который способен сделать любую работу инновативно и не тривиально. По крайней мере тогда я именно так считал. И действительно в девяностые художники часто становились такими комиссарами в массмедиа, в политической кампании, в современной теории.

Сейчас я бы ответил на этот вопрос диалектически, то есть прямо противоположным образом. Современный художник — это специалист, который НИЧЕГО НЕ УМЕЕТ. Специалист неумения. В тотально-креативной экономике, когда искусством стала даже еда в ресторане, хочется иметь какой-то GAP, дыру, цезуру. Именно поэтому цитата из Адорно мне представляется актуальный. Современный художник сейчас — это чистая дисфункция, тормоз в «локомотиве истории».


Анатолий Осмоловский читает стихи на теоретическом семинаре «Терроризм и текст». Московский государственный университет, 1989. 
Фото: courtesy Анатолий Осмоловский / Светлана Баскова

Георгий Литичевский
«ХЖ» № 9

Художники нужны сейчас затем же, зачем они были нужны всегда. Художники нужны затем, что они не такие, как все. «Артисты», — мешая восхищение, недоумение и раздражение, говорит о них Общество, но терпит, терпит… иногда раздражение доходит до такой степени, что Общество может «надуться» и делать вид, что не замечает художника. Но именно такое раздражение, под холодной маской безразличия, свидетельствует об особой общественной нужде в художниках. Думаю, сейчас тот самый момент, когда художники нужны как никогда.

По сути, общество платит художникам той же монетой, то есть относится к ним так же, как и художники относятся к проблемам общества. И это не учитывать нельзя. Но это, знаете ли, как стояние на реке Угре. У кого первого сдадут нервы.

Если допустить, что художники вообще могут быть не нужны, то, извините, они не были нужны никогда. Так называемые «художественные работы» всегда можно было поручить людям более инженерного склада, прикладникам, дизайнерам. Художник и сам в значительной степени ремесленник, декоратор, оформитель, в том числе улиц, интерьеров и так далее. Но прежде всего это оформитель идей, не видимых простым глазом. Это специалист по визуализации идей. Именно он первым видит идеи и придает им зримые формы. Даже Лосев признавал, что Платон не увидел бы свои идеи — эйдосы, если бы их прежде не увидели греческие скульпторы. В этом нет ничего обидного для философии. В ней должна быть прежде всего мысль, а не идея. Но обществу нужно и то, и другое, и кое-что еще, на чем замешивается идеологический цемент, необходимый в общественном строительстве.

В период формирования новой идеологической ситуации в обстановке общего дефицита идей неизбежно потребуется помощь художников как инженеров идей, как потенциальных идеологов. Некоторые действительно ими станут, так же, как имиджмейкерами, ясновидцами, просто политиками. Это прежде всего касается так называемых «актуальных художников», которые, можно согласиться с Гией Абрамишвили, на самом деле представители каких-то новых профессий, которым пока еще не подобрали точных названий, и потому они именуются «художниками».

Тут есть риск (или шанс) совсем перестать быть художником. Но это необязательно. Художники нужны сейчас как хранители чистых идей, и им нет нужды становиться идеологами, поскольку торговцы идеями все равно проберутся в их кладовые и при этом, к счастью, никогда не завладеют ими вполне, тем более в отсутствии идеологической монополии. Зато и художники сейчас нужны самые разные, включая и «консерваторов», и «деконструкторов», ибо способы хранения идей многообразны.

Художники не такие, как все. И это раздражает. Их дразнят красной тряпкой «успеха». Их упрекают за то, что они «только» художники, искушают возможностью быть чем-то большим. А они все настаивают на том, что в «нарисованном доме» можно жить. Хотя сами не верят в это. Пустейшие личности. Общество не терпит пустоты. Horror vacui! Но художники — это и есть гомеопатическая доза пустоты, которая прививает иммунитет к вселенскому вакууму, ко всякого рода черным дырам, в том числе и социальным. Разве черные дыры не самая актуальная проблема на сегодняшний день?

«ХЖ» № 101

Художники теперь не нужны. И в другие времена они тоже нужны не были. То, что они, несмотря на свою ненужность, были раньше и есть теперь — это из загадок и парадоксов человечества и природы. Художники никогда не нужны — но, вероятно, в разные времена они не нужны по-разному.

Это не мешает концепту «художник» быть и оставаться высоко ценимым и иногда даже почитаемым. Можно даже провести аналогию между этим концептом и концептом «бога», тем более, что в постаристотелевской традиции нередко всплывает концепт «бога-художника». И тут показателен ответ Лапласа на вопрос Наполеона о Боге: «сир, я не нуждаюсь в этой гипотезе». В самом деле, то, что может быть предметом живой веры, не обязано быть дискурсивно обсуждаемой надобностью.

Бога или богов никто не видел. Художников же хоть отбавляй. И даже больше того, как нам сообщили полвека назад, «каждый человек художник». Могут ли быть так уж нужны те, кого и так в избытке? Вот, пожалуй, описание ненужности, какой она представляется теперь. Но и раньше было не намного лучше. Вспомните папу Юлия II, бьющего палкой по ногам Микеланджело, и станет ясно, что папе, да и всем остальным, было нужно все, что угодно, но не «титан Возрождения».

В разные времена по-разному художникам, конечно, пытались и продолжают пытаться находить применение, чтобы определить их нужное и необходимое место в социуме, предписывая им роль слуг, юродивых, лощеных клоунов, производственников или активистов. И художники, которым ничто человеческое не чуждо, часто и охотно выполняют соцзаказ. И все-таки, надо надеяться, гораздо чаще, чем можно было бы ожидать, вопреки замыслам заказчиков и собственной субъективной уступчивости, они объективно остаются художниками. И все это благодаря запрятанной глубоко внутри неуловимой квантовой частице ненужности, которая во все времена остается неуловимой и несокрушимо ненужной.


Игорь Мухин. Дмитрий Гутов. 1990. Москва. 
Фото: courtesy Игорь Мухин

Дмитрий Гутов
«ХЖ» № 9

В том виде, в котором художники существуют сейчас, они не нужны. Мир не заметит их исчезновения, которое произойдет, как я надеюсь, в обозримом будущем. Есть, правда, люди, вложившие деньги в акции типа «Пикассо», — их ждет некоторое разочарование.

Биохимические процессы в мозгу наших современников требовали до недавнего времени возбудителя в лице современного художника, и целая индустрия его довольно успешно производила. Сегодня художник не то чтобы перестал справляться со своей задачей, но потребность в ней отпала.

К середине девяностых годов история потеряла былой драматизм, жизнь лишилась явных противоречий, разлада. Новое идиллическое состояние или новая простота представляет собой столь малый интерес по своему подлинному содержанию, что уже не нуждается в иллюзии свободы жеста.

Что же из этого следует? Что сейчас необходим действительно свободный жест. Порядок в мире уже определился так прочно, что не отличается от состояния, где ничего не определено. Художник в наши дни — это человек, который будет вершить справедливость как дело своего индивидуального произвола. Не притворяться самостоятельным и независимым, но быть им — вот наиболее глубокая человеческая потребность, и ее следует осуществить в полной мере. Если что-то произойдет в природе, заслуживающее внимания, то единственным виновником и источником всего совершившегося будет художник.

«ХЖ» № 101

Мои взгляды изменились таким образом, что я могу сейчас думать только о том, что меня волнует по-настоящему. Зачем нужны художники — меня не может волновать ни в какой мере. Это вопрос с точки зрения потребления. С точки зрения производства (а меня может занимать только это) вопрос совершенно не имеет смысла.

Никита Алексеев
«ХЖ» № 9

Каков вопрос — таков ответ. Возможно, не очень замысловатый и умный.

Зачем нужны были художники раньше? Чтобы украшать церкви или дворцы, рисовать портреты королей, иерархов, финансистов или генералов. Речь идет о так называемом «профессиональном искусстве» — вряд ли «ХЖ» всерьез интересует какое-то другое. Сейчас репродукцию с картины Перова либо Саврасова можно найти в любой самой бедной дыре, но во времена, когда эти художники работали, их ценителями были образованные и обеспеченные люди.

Сейчас ничего не изменилось. Меняются вкусы, меняются «гвозди», на которые искусство «подвешивается», но не более того.

Любой художник, естественно, хочет, чтобы его изделия пользовались успехом при его жизни. Одним это удается, другие получают признание сразу после смерти, большинства так и пропадают, словно комары, ни разу не попившие крови. Так было, так есть. Бессмысленно горевать о том, что государство тратит деньги на Христа Спасителя, а банкиры покупают живопись, презрительно называемую нами «салонной». Интереснее задуматься: а почему, собственно, должны они тратиться на что-то другое? Что для этого можно сделать и можно ли?

А зачем нужен художник самому себе? Здесь дурацкая логическая закавыка. Если он сам себе не нужен, значит, он вроде как и не художник, значит, и говорить не о чем; а если он — художник, так отпадает вопрос, зачем он себе нужен.

Вот, собственно, и все: с тех пор, как искусство приобрело знакомые нам черты, оно перестало поддаваться четкому определению. Так что каков вопрос — таков ответ («ХЖ» № 9).

«ХЖ» № 101

Для того чтобы я мог дать ответ, хорошо бы мне ответили на три вопроса: а) что такое «зачем»?; б) что такое «сейчас»?; в) что такое «художник»? Ведь эти три очень условны.


Группа «Коллективные действия». Место действия. Фотодокументация акции. 7 октября 1979, Московская область, Киевогорское поле. Слева направо: Николай Панитков, Андрей Монастырский, Елена Елагина, Никита Алексеев. Фото: Игорь Макаревич. 
Фото: courtesy Е.К.АртБюро

Антон Литвин
«ХЖ» № 9

Художник — миссионер идей свободы, творчества и любви в языческом обществе техницизма и буржуазной пресыщенности. Носитель тоски человечества по гармонии, вечный укор о растраченных человеком божественных дарах.

Художник так же нужен обществу, превратившемуся в замкнутую самодостаточную систему, как проповедник нужен племени каннибалов. К счастью, полнота реальности не ограничивается такими отношениями.

Художник нужен Богу. Нужен как память о первой любви и как единственный последний свидетель Его Собственного существования.

«ХЖ» № 101

Мне сложно ответить на этот вопрос, так как моя последняя художественная работа относится к маю 2012 года. Уже почти пять лет как я перестал производить художественный продукт в традиционном понимании этого слова.

При этом вопрос «Зачем нужен сегодня художник?» я задаю себе уже двадцать пять лет — ровно столько я занимаюсь современным искусством.

Все это время я считал важным говорить о происходящем в стране и обществе, о том, что что-то идет не так. И если в девяностых это был безумный московский акционизм и, в частности, поиск возможностей диалога с православной церковью, то с начала нулевых я стал работать в поле критики государства и общества потребления:

— о цензуре: графика «Put in — put out», 2000;

 — о политзаключенных: инсталляция «Даже ветви можно заставить стать корнями», 2004;

 — об укреплении репрессивного аппарата: инсталляция «Светит, но не греет», 2004;

 — о возвращении имперской идеологии: видео «Реставрация», 2005;

 — об угрозе авторитаризма: скульптура «Все готово к неожиданному визиту Президента», 2006;

 — о готовности России к войне: видео «Far war», 2006;

 — о начале застоя в обществе: фотопроект «Белый. Серый. Черный.», 2007;

 — о расколе в обществе: графическая серия «Трещина», 2010;

 — о политзаключенных: объекты «Hands free», 2011;

 — об утраченных надеждах на перемены: видео «Конец», 2011;

 — об обреченности массовых протестов: видео «Шествие», 2012;

 — о невозможности диалога с властью: акция «Белые холсты», 2012.

И, кстати, только сейчас мне стало понятно, что премия «Соратник», существовавшая с 2006 по 2012 год, была, в первую очередь, о солидарности. И не случайно она прекратила своя существование после суда над «Pussy Riot».

Отвечая все-таки на поставленный вопрос, я честно признаюсь — ничего нового сказать как художник сегодня не могу. В последнее время занимаюсь и провожу в Праге вот уже пять лет фестиваль актуальной российской культуры и прав человека KULTURUS.


Обложка «Художественного журнала», №101, 2017

Семен Файбисович
«ХЖ» № 9

Если сказать, что художники сейчас нужны как материал, из которого критики и кураторы лепят свои репутации, те обидятся: мол, на фиг они нам нужны, и так прекрасно слепим. Художники, однако, уверены, что действуют в рамках актуальной стратегии. Если когда-то считалось, будто они должны что-то скрывать, то в дискурсе данной стратегии многие бросились хлопать дверьми и греметь ключами — закрывать. «Не верьте им, они все врут!», — без конца повторяет artist с экрана монитора, усугубляя и без того сугубую банальность и пошлость заявлений типа «интеллигенция всегда должна быть в оппозиции» или «все они одним миром мазаны». Искусство самоотверженно поменялось с жизнью местами, общими местами, и демонстрирует открывшиеся при этом удивительные возможности вызывать отвращение. Тошнит и от до чертиков надоевших мониторов, то долдонящих какую-нибудь пошлятину, то достающих девственно-блядской чистотой и пустотой своих экранов, и от целых экспозиций, где физически неприятные люди выставляют напоказ свои так называемые «прелести» или свои отношения с животными, или ведут себя как животные по отношению к зрителю, и от кураторов с критиками, которым хватает коммивояжерской наглости и развязности раз за разом подсовывать весь этот товар с биркой «Актуальное искусство».

Иерархия и структурированность в искусстве с энтузиазмом преодолевались как тоталитарные начала, однако выясняется, что эфирная изоморфность по своей природе не менее тоталитарна. Просто главными персонами и явлениями оказываются не те, что возведены на пьедестал, как прежде, а те, кто обладает свойствами ударной волны, наибольшей энергией, способной подавлять, заглушать, создавать помехи для других источников, а для себя постоянный, невольно привлекающий внимание контекстуальный грохот. И глушение чужих сигналов, и подача собственных создают вместе удручающий шумовой фон, который и есть здешняя художественная ситуация. Таким образом, фиксируемая сознанием и органами чувств художественная работа сводится к различным формам культурной агрессии, а кому и зачем это нужно — вопрос не ко мне.

«ХЖ» № 101

Сегодня они нужны затем же, зачем всегда были (будут) нужны. Искусство — это разговор; прежде всего чувственный разговор человека с самим собой. А еще с богом (если он у него есть), со своим временем и современниками, а то и с теми, кто был и будет. Этот разговор ведется с незапамятных времен — художники, как известно, даже более древняя профессия, чем проститутки и архитекторы — никогда не прерывался и непонятно, с какой стати может прерваться: если есть отношения, всегда непростые, то есть и постоянная потребность высказываться по их поводу, прояснять, выяснять их.

Этот разговор может менять формы и языки высказывания, но потребность в нем неизбывна и для художника, и для тех, к кому он обращается — неважно, услаждает он их или бросает им вызовы; напирает на чувства или интеллект — или не «или». Так уж устроен мир, что всегда находятся люди с необоримой потребностью вести этот разговор.

Те, кто ощущают, что такой разговор обращен именно к ним, самим фактом этого ощущения поддерживают его, вступают в него, участвуют в нем. И время, к которому обращается художник, вступает в этот разговор, и даже бог (у кого он есть) — если захочет. В общем, искусство, это беседа — спокойная или возбужденная, ироничная или душераздирающая, преисполненная гармонии или в форме свары, примиряющая или вызывающая; провокация словом, которую художник затевает, вовлекая в нее тех, кто поддается на нее.


Владимир Дубосарский и Валерий Кошляков. 1990-е. Москва. 
Фото: courtesy Игорь Мухин

Владимир Дубосарский
«ХЖ» № 9

Пытаясь ответить на поставленный вопрос, я честно написал некоторое количество достаточно сумбурного текста, из которого не ясно было, а зачем все-таки сейчас нужны художники. Причем помимо моей воли лейтмотивом становилось традиционное «Что делать?». В результате проделанной работы осмелюсь предложить некий сценарий. Сюжет самый банальный, поскольку тут чем банальнее, тем верней.

Звездолет бороздит космическое пространство. Но то ли что-то сломалось, то ли затянуло в черную дыру, короче, отрезанные от цивилизации, мчатся астронавты в неизвестное. Сами астронавты — персонажи, как на подбор. Помощник капитана рвется к власти, он очевидный подлец, подбивает сомнительного вида ребят-разведчиков к бунту и установлению нового порядка. Все и получилось бы, если бы не любовь девушки-медика к главному герою — бортинженеру, нашему парню. В то же время зануда ученный бьется над формулой, которая может спасти корабль.

Три закадычных друга-компьютерщика, за невостребованностью, пристрастились к техническому спирту и по центральному монитору ловят чертиков.

Фильм только начался, и, очевидно, самое главное впереди. Вариантов развития — сколько угодно. Например, встреча с иной, допустим, агрессивной цивилизацией. Тогда бластеры, лазеры, киборги. Победа, оплаченная кровью.

Или, скажем, все спят, просыпаются — Земля в иллюминаторе. Просто один дурак, случайно пробравшийся на корабль перед стартом, по простоте своей набрал некий код и перенес героев картины в нужное измерение.

В любом случае должно случиться «нечто», что и определит дальнейшую судьбу астронавтов. И произойдет это (по сценарию) извне. Ну не могут они сами ничего изменить. Не получается. Так, мышиная возня в звездолете. Но только до тех пор, пока не случится то самое «нечто», круто меняющее ситуацию. Тут и подвиги, и прозрения, и невиданный накал страстей.

Но художникам, извиняюсь, астронавтам надо еще дожить до этого «нечто». Фильм-то многосерийный, а идет только вторая серия. Живут герои космоса, хлеб космический жуют, функционируют, дожидаются своего часа. Может, дождутся.

Однако, если фильм с претензией, то уместно рассмотреть и такой поворот событий, когда поворота, собственно, и нет. Потихоньку — от вируса ли, от старости — экипаж погибает. Финальная сцена: последний герой зачитывает послание цивилизациям, которое запросто может не найти адресата. На экране — звездное небо, и, как молитва, монотонный голос последнего героя за кадром: «Одно я могу с твердой уверенностью сказать: “Все наши силы и энергия без остатка были отданы борьбе. Борьбе с бесконечным пространством и ускользающим временем. И мы проиграли эту борьбу. Я смертельно болен, но мысли мои ясны как никогда. Я видел рассвет и видел закат. Я знаю, что здесь и сейчас все кончилось навсегда, и я констатирую это перед лицом Великого Космоса”». По звездному небу побежали титры.

Конец фильма.

P.S. Герои картины — астронавты. Их поступки, страсти, дурные наклонности и образуют, собственно, сюжет. Без которого интересного кина не бывает.

«ХЖ» № 101

В середине девяностых «ХЖ» также предлагал ответить на этот вопрос. Почему-то тогда я выбрал поэтическую форму, но так и не показал Виктору, а написал странноватый сценарий. Первая и последние строфы стихотворения были примерно такими:

Затем художники нужны,
Зачем нужны трава и ветер?
Художники за все в ответе,
За то, чтоб не было войны.
—————
А после, сидя у обочин,
Ругать незрелый молодняк:
«Все очень скучно, плохо очень —
На тройку с плюсом накрайняк».

Прошло 20 лет, и было бы странно, если бы все осталось на прежних местах. Последние иллюзии, как дымок от сигареты, растаяли под мощными вытяжками арт-институций. Совершенно очевидно, что художники превратились в планктон, в пушечное мясо, они обслуживают систему. Ведь именно система легитимирует их, позволяет называться артистом и дает возможность выживать в новых условиях. Многие деятели культуры отказывают Павленскому в статусе художника — он же вне системы, он нарушает заведенный порядок, неправильно писает в нашу песочницу, нехороший мальчик. Любой порядок стремится к пределу, но как только его достигает, становится беспорядком (Сунь Дзы). Приблизительно эту картинку маслом мы сейчас и наблюдаем. Художники уже давно потеряли автономию, права и самое главное — волю. Они уже не изменяют мир, не ставят неудобных вопросов — они отвечают на вопросы, которые задают другие. Они играют по чужим правилам, и кто лучше играет, тот успешнее продвигается. Они превратились в декоративную ширму, которую так комфортно наблюдать новому мировому порядку. Прирученный, беззубый контемпорари, вовремя получающий свой нехитрый обед, создает видимость, что с культуркой у этого общества все ништяк, а значит, есть будущее. Но мы-то уже знаем из песни Псоя, что будущего нет.

Современное искусство — это зоопарк диковинных зверей, которых можно увидеть на различных биенналях, манифестах, ярмарках и так далее. И главное, что их объединяет, — звери всегда в клетках, никто не будет покусан, можно смело наслаждаться, прогуливаясь с бокалом шампанского. Вот для чего нужны сегодня художники на самом деле. Но нужно ли это художникам? И что скрывает декоративная ширма? Не потайную ли дверцу? И как долго еще умненькие буратины будут закапывать своих пять золотых на Поле Чудес в Стране Дураков? И где тот Золотой Ключик?..

Вопросы порождают только новые вопросы.

P.S. Прошло 20 лет, и было бы странно, если бы все оставалось на прежних местах.

Павел Ждан объясняет, зачем фотографу нужно уметь рисовать карандашом

Считается, что идеальный фотограф — это бывший художник, потому что все законы изобразительного искусства он уже знает, и ему необходимо только овладеть навыками использования фототехники. Наверное, именно так родилось выражение «фотографы - ленивые художники». Зачем им рисовать, ведь камера все сделает сама! С другой стороны, чтобы стать фотографом, не обязательно быть даже ленивым художником. Однако на практике оказывается, что навыки рисования фотографу все же бывают необходимы.

 

 От средней школы до частных уроков

В принципе, фотограф может обойтись и без навыков рисования. Собственно, именно так я рассуждал в начале карьеры. Хотя сам умел рисовать на уровне средней школы, и мне нравилось это занятие. А вот когда начал работать с журналами и снимать для них обложки и развороты, что происходило, как правило, в рамках крупных заказов, то понял, что к съемкам необходимо готовиться более тщательно и нужно создавать эскизы.

Тогда я начал рисовать просто квадратики, своего рода раскадровки, пытаясь представить, как будет выглядеть будущий сюжет. И тогда я осознал, что школьных навыков мне не хватает. Стал изучать видеоуроки в интернете и брать частные занятия у художников. Основная задача сводилась к тому, чтобы с помощью рисунка донести мою съемочную идею в целом, научиться быстро делать наброски, не задумываясь над тщательностью рисунка, однако сохраняя при этом правильные пропорции. 

Эскиз и работа из серии «Anna». Первоначальная идея фактически сохранена в фотографии. Поза модели, шляпа, направление рисующего света, расположение теней. Отличия только в незначительных деталях, например, модель согнула в колене правую ногу, а не левую, ну, и окончательный ракурс, конечно, отличается от нарисованного, потому что я его выбирал уже в процессе самой съемки. Камера Sony A7R III, объектив Sony FE 12-24mm F4 G

Зачем нужны эскизы

Во время съемок эскизы не являются непреложным правилом, от которого нельзя отступать. Я могу свободно отходить от раскадровок, жестких границ нет. Вообще фотосъемка — это живой организм, который живет и развивается. Загнать его в регламентированные рамки невозможно, да и не нужно. Иногда даже приходится отказываться от заранее подготовленных сюжетов и рисовать новые.

Наброски будущей фотосерии, эскизы предполагаемых сюжетов, необходимы фотографу, чтобы во время съемочного процесса и ему самому, и членам команды было проще сориентироваться. Рисунок выступает в роли шпаргалки. Например, во время съемки меня могут отвлечь, и если я потерял нить изобразительного повествования, то, подсмотрев в эскиз, смогут освежить память.

Рисунки представляют собой хорошие подсказки для видеооператора, который снимает бэкстейдж. Кроме того, наличие эскизов очень убедительно воздействует на заказчика, который пожелал присутствовать на съемочной площадке. Ему это внушает ему доверие к фотографу. Также получив предварительную визуализацию сюжета, заказчик может продумать нюансы.

К сожалению, в моем родном городе Омске я ни разу не встречал фотографов, которые делают предварительные эскизы. Получается, что этим занимаюсь я один. Конечно, в этом мое преимущество.   

Безусловно, создание эскизов не предшествует каждой фотосъемке. Например, это касается свадьбы. Имеются обязательные кадры - их фотограф держит в голове. А когда именно они состоятся и при каких условиях, это невозможно спрогнозировать.

Собственно рисованные эскизы, как правило, необходимы для коммерческих съемок, например, реклама продукции, рекламная съемка для журналов и каталогов. То есть те работы, которые требуют долгой и тщательной подготовки.

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Эскиз и работы из серии «Family». Камера Sony A7 III, объективы Sony FE 85 мм F1.4 GM и Sony FE 12-24mm F4 G

Когда и где рисовать

Наверное, настоящий художник должен творить в особой мастерской, которая наполнена возвышенной атмосферой. Лично я делаю эскизы в офисе или дома в вечернее время. Как правило в сопровождении спокойной классической музыки. Предпочитаю, чтобы меня никто и ничто не отвлекало. Все рисунки создаю буквально из головы — к референсным изображениям не обращаюсь.

Очень часто посещаю место предполагаемой съемки заранее, за несколько дней. Снимаю локацию на телефон и потом в эту локацию вписываю, точнее врисовываю, сюжет, который намереваюсь реализовать. Иногда приходится делать эскизы в дороге, и даже по пути на съемку.

 

Чем рисовать

В отличие от настоящих художников я не предъявляю особых требований к материалам. В качестве носителя информации могу взять обычную офисную бумагу любой плотности, и даже самую дешевую. Использую обычные графитовые карандаши - твердые и мягкие, ручку с черными чернилами. Еще у меня есть дизайнерские двусторонние маркеры, в основном серые, черные и желтые. Желтым цветом я подчеркиваю детали.

Для создания эскизов я пользуюсь самыми обычными графитовыми карандашами и профессиональными двусторонними маркерами

После съемки

Когда фотосъемка завершена, когда материал опубликован на сайте, в журнале или каталоге, он приобретает иное звучание и весомость. В этой ситуации эскизы теряют свою значимость, фактически они превращаются в отработанный материал. Однако лично я не спешу их выбрасывать. И не потому, что вижу себя великим Пабло Пикассо, рабочие наброски которого дорого стоят, но просто не тороплюсь это делать. Как правило, эскизы хранятся у меня в отдельной папке в течение года, и я избавляюсь от них во время генеральной ревизии рабочего пространства. Некоторые проектные раскадровки оставляю на память. Но это скорее исключение.

 

Как научиться

В принципе, для подготовки эскиза можно не обладать высококлассными навыками. Можно рисовать, как Остап Бендер, создавший «Сеятеля». Схематичного эскиза из палочек и кружочков вполне достаточно, чтобы создать для себя шпаргалку, а для остальных членов съемочной команды хорошую подсказку. И даже для заказчика ваши каракули будут выглядеть убедительно, ведь он поймет, что вы готовились к съемке заранее, а не рассчитываете на удачный экспромт.

Это хороший старт. А затем придет понимание, что даже эскиз должен быть выразительным и более информативным. По сути, это своего рода творческая гигиена. И тогда стоит взять несколько уроков у профессионального художника. Например, я брал пять уроков, по одному в неделю.

Помимо того, что художник объяснит вам базовые принципы рисования и покажет, как правильно держать карандаш в руке, он научит сохранять пропорции объектов. Например, мои основные проблемы во время обучения касались именно сохранения пропорций. Когда рисовал лицо, художник мне постоянно делал замечания. Ну, а если бы я стал учиться дальше, то достиг бы уровня комиксов.

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Эскиз и работы из серии «Paul». Камера Sony A7R III, объективы 70-200 2.8GM & 12-24 G4

Заключение

Я не считаю, что каждый фотограф должен уметь рисовать. Прежде всего он должен классно фотографировать. У художника другие навыки и преимущества. Однако фотограф, который в своем рабочем процессе делает рисованные эскизы, всегда будет выгодно отличаться на рынке.

Таким образом, я не могу дать категоричных рекомендаций. Хотите рисуйте - хотите нет. Однако по своему опыту скажу, что ощущения, когда предварительно создаешь эскиз будущей фотографии, просто потрясающие. Нажатие на спусковую кнопку превращается в финальный аккорд, сам процесс создания работы растянут во времени. Результат получается продуманный, выстроенный, более солидный. 

 

Alpha-советы:

1. Попробуйте начать рисовать. Не нужно никому показывать результаты, просто посмотрите, что у вас получается. Вполне возможно, что для создания раскадровок этого будет вполне достаточно.

2. Не поленитесь взять хотя бы один урок у профессионального художника. Уверен, вы получите огромное вдохновение и будете продолжать обучение, соответственно, уровень ваших эскизов значительно повысится.

 

Декабрь, 2019

похожие статьи

Зачем художникам нужны манекены

Еще несколько десятилетий назад мастерам живописи и ученикам нужно было обязательно приглашать натурщика, если они хотели писать жанровую картину или портрет. Сегодня развитие технологий позволяет всем поклонникам рисования заниматься любимым делом, не отвлекаясь на сложности с поиском готового позировать человека. Специальные манекены из дерева или пластика позволяют воссоздать формы тела максимально реалистично. При этом кукле можно придать любую позу, которая требуется художнику.

Почему манекены для рисования – это удобно

Подобное оборудование для обучения живописи бывает разных видов. Некоторые манекены воссоздают человеческое тело целиком, другие – только конкретные части (например, кисть руки или ногу). Надежными и реалистичными считаются пластиковые модели (купить их можно, например, на специализированном сайте https://artizo.com.ua/catalog/manekeny-manekeni/, где продаются разнообразные полезные приспособления для художников). Такие манекены оснащены роликами на месте суставов, поэтому у них двигаются руки и ноги, принимая нужные положения.

Куклы вместо реальных натурщиков используются практически во всех школах живописи, любят их и художники, которые самостоятельно постигают азы рисования. Причина популярности манекенов связана с несколькими их характеристиками.

  • Возможность принять любое положение. Даже если вам захочется нарисовать человека в какой-то фантастической позе, с помощью манекена сделать это будет совсем не трудно. Ведь шарниры позволяют придавать кукле абсолютно любые положения.
  • Доступная стоимость. Манекены для художников можно заказать через интернет недорого, поэтому такую покупку легко позволят себе даже начинающие поклонники рисования.
  • Небольшой размер. Кукла легко поместится даже в небольшом ящике или на столе.
  • Реалистичность. Манекен максимально естественно копирует тело человека и передает позы, которые нужны художнику.

Некоторые модели манекенов оснащены магнитами для того, чтобы держать позу еще лучше и дольше. Такие куклы стоят дороже, но подходят для более длительного использования.

Ещё статьи по теме:

Маркетинг для художника. Зачем художнику участвовать в выставках?: 13vainamoinen — LiveJournal

Зачем художнику нужны выставки?

Публичные выставки картин художников – это сравнительно недавнее изобретение…

В 1871 году в Петербурге открылась первая выставка художников передвижников, организованная «Товариществом передвижных художественных выставок».

Во Франции первая независимая художественная выставка была организована «Анонимным обществом художников, живописцев, скульпторов и гравёров» в 1874 году в Париже. Таким образом, о себе заявило новое течение в живописи – импрессионизм.

До этого и в России, и во Франции выставки организовывались под контролем академических художников и только с их одобрения, та или иная картина могла попасть на выставку.

Имена художников, принимавшие участие в первых, независимых от академии художеств, выставках в короткий срок стали известны широкой публике.

С этих пор художники стремятся принять участие в различных выставках. Чем выставки престижнее, тем лучше, тем выше статус художника участвовавшего в них.

Участие в выставках, для молодого художника, самый короткий путь создать себе имя, стать известным. Так было в XIX и в XX веках.

Но возникает вопрос, нужно ли художнику участвовать в выставках в XXI веке?

Для художников прошлого, выставка, была единственным местом, где он мог показать свои достижения в живописи. Именно на выставке будущие потенциальные покупатели картин определяли для себя, какие картины они хотят приобрести, у какого художника будут заказывать свой портрет.

Сегодня достаточно войти в интернет, открыть соответствующий сайт и увидеть все что нужно: вот биография художника, а вот его картины. Даже цена проставлена.

Зачем же в таком случае нужны выставки?

На мой взгляд, и в XXI веке участие художников в выставках необходимо. Картинка в интернете, даже сделанная в хорошем качестве не дает полного представления о картине. Только в живую можно почувствовать запах краски, увидеть рельефную фактуру мазков, понять размер и масштаб художественной работы.

Поэтому одновременно с участием в виртуальных выставках в интернете, художникам нужно принимать обязательное участие в выставках реальных.

Сегодня процесс организации реальных выставок хорошо отлажен. От художника требуется только представить свои работы, остальное сделают организаторы выставки.

А вот эффективно работать с интернетом умеют далеко не все художники. Об этом расскажу, но немного позже.

Статьи по теме "Маркетинг для художника":

Как стать известным художником за один день?
Нужен ли маркетинг художнику?
Маркетинг для художника. Любитель и профессионал
Маркетинг для художника. Целевая аудитория
Маркетинг для художника. Корпоративные заказчики
Маркетинг для художника. Религиозные организации

Художество

90 000 Художников нужны всем нам

Современная жизнь людей часто далека от идеала. Наши представления о мире, в котором у нас есть все, что мы хотим, наши мечты часто недостижимы. Все из-за преобладающих обязанностей, серой действительности, множества дел, которые надо решать, которые множатся с каждым днем ​​и подталкивают нас к грусти и депрессии. Не каждый может обеспечить себя всем необходимым, и не каждый может обеспечить себя теми удовольствиями, о которых мечтают по ночам.Это не всегда связано с отсутствием определенных навыков и находчивости. Часто мы перегружены проблемами, которые нам трудно решить.

Когда мы идем по улице и проходим мимо других людей, что мы видим? В основном задумчивые лица, грустные и подавленные. Все куда-то спешат, спешат только в известных делах и не обращают внимания на окружающее. Они думают только о том, что им нужно сделать, о задачах, от которых зависит их профессиональная и личная жизнь.Обязанности и приказы могут подавлять нас, нравится нам это или нет. Они являются причиной нашего разочарования миром, который не так дружелюбен, как хотелось бы любому из нас.

Так что ты должен найти способ спасти себя во всем этом. Нам нужно знать решение, которое позволит всем нам спасти свои души и сердца, которые становятся еще серее с каждым печальным днем, полным обязанностей. И в этом смысле искусство — это всегда бегство от неприятных будней. На протяжении сотен лет он позволял людям испытывать развлечение, успокоение, безумие и созерцание.Искусство позволяет найти момент покоя и повод вкусить счастья. Между прочим, это его роль, и он выполняет ее безукоризненно.

И на данный момент есть художники, которые играют ключевую роль в процессе оказания помощи обществу и людям, которые в ней нуждаются, ведь от них зависит, увидит ли данное произведение свет. Художники, скульпторы, певцы, музыканты, танцоры, актеры, писатели, поэты – источников совершенного искусства множество, ведь у многих людей есть та часть чувствительности, которая позволяет им очаровать мир своим талантом.Художники нужны всем нам, потому что они доносят до нас свои эмоции через различные средства массовой информации. Они находят повод творить, находят вдохновение и делятся им с другими. Иногда они оказывают более слабое, а иногда и более сильное воздействие на аудиторию, но каждый раз, когда они начинают творить, их работа важна и всегда найдется хотя бы один человек, который будет конкретно излечен этой работой.

Художники — это связующее звено между нашей реальностью и нематериальным миром, который где-то проходит параллельно нашему.Они могут передавать свои эмоции разными способами, не всегда приемлемыми для широкой публики, но всегда характерными. Благодаря художникам мы можем развешивать картины в наших домах, ставить скульптуры, наслаждаться стихами, рассказами, слушать прекрасную музыку и наслаждаться прекрасными фильмами, которые трогают всех. Можно возразить, что они иногда странные, что у них есть свой мир и свои капризы, но они имеют на это право, потому что это дает всем нам великие дела, которые нас утешают. Без художников мир не был бы таким, как сейчас.Не было бы возможности убежать от проблем и забот. Не было бы возможности расслабиться после работы с любимым музыкальным диском или чтения новой книги. Без художников было бы еще грустнее, чем сейчас, и нам, безусловно, было бы сложнее.

.

Есть ли простой способ увеличить стоимость произведения искусства?

Можно ли повысить ценность произведения искусства простыми способами? Кажется, что это скорее невозможно, так как все зависит от хорошей раскрутки, последовательности в действиях и настойчивости. Верно. Тем не менее, есть несколько основных правил, которые сделают отделку более ценной. Ниже мы представляем некоторые известные на арт-рынке стратегии, которые легко увеличат стоимость произведений искусства.Вот несколько из них.

Чтобы правильно проиллюстрировать всю ситуацию, воспользуемся очень простым примером , , который будет сопровождать нас на протяжении всего текста. Этот пример взят из очень вдохновляющего текста Алана Бамбергера , который в значительной степени резюмирован в этом тексте. Возвращаясь к самому примеру, следует только отметить, что он очень интересен, потому что очень наглядно помогает понять некоторые механизмы, управляющие восприятием покупателя.Итак, возьмем два похожих стилистически и формально произведения искусства - из которых об одном мы абсолютно ничего не знаем, а о другом почти все. Они имеют одинаковую цену и вызывают очень похожие впечатления или эстетические переживания. И вопрос - какую работу лучше купить? Согласно исследованиям, покупатель с большей вероятностью купит работу , о которой знает больше, потому что - просто - она ​​кажется ему ближе и у него создается впечатление, что он лучше способен ее понять. Поэтому на арт-рынке важно, чтобы, говоря простым языком, имело в обращении и предоставляло как можно больше информации о вашей работе. Чем больше ссылок на художника и произведение, чем больше тем оно привлекательнее для потенциального покупателя. Почему? Потому что легче продать вещь, о которой можно много говорить, чем никогда. Для покупателя вся информация составляет ценность работы. Другими словами - согласно Алану Бамбергеру - каждый художник способен почти сразу добавить стоимости произведению, значительно увеличивая инвестиционный потенциал в глазах серьезных коллекционеров - и, что немаловажно, заработать , за которые они готовы платить. работа на столько, на сколько художник рассчитывал на .Ведь произведение искусства стоит столько, сколько за него готовы заплатить.

Правило номер два: подпись или отличительный знак , идентифицирующий работу с покупателем . Многие художники не подписывают свои работы, сознавая, что, назовем это описательно, чуждый живописной ткани графический знак может разрушить композицию. Это особенно характерно для минималистских работ или сбалансированных, симметричных и композиционно последовательных реализаций.Однако, вопреки видимости, подпись очень важна . Но это актуально не только в контексте последующих продаж. Предположим, что художник молод и только начинает свою карьеру. Чаще всего он экспонируется на коллективных выставках и , где представлен ряд различных проектов. Тогда стоит обеспечить, чтобы получатели имели возможность узнать, кто является автором данной работы (в Польше иногда нет подписи к проектам на такого рода выставках) и, следовательно, найти ее в Интернете, и , следовательно, также читайте о его работах.Предположительно ничего, но это увеличивает шансы привлечь больше людей, заинтересованных в этой конкретной работе. Кроме того, здесь стоит отметить, что если кому-то нравится произведение, то первым вопросом задается: кто автор этого произведения? Возвращаясь к примеру в начале этого текста - в контексте двух почти одинаковых произведений искусства, одно из которых будет подписано, а другое нет - покупатель скорее выберет подписанное, несмотря на то, что оно дороже. Почему? Когда художник подписывает свою работу, он официально идентифицирует себя с ней — это значит, что — говоря разговорным языком — он включен в число художников, активно действующих на арт-рынке, и не является одним из тысячи безымянных людей, делающих первые неуклюжие шаги — даже если он на самом деле. Подпись — это своего рода бренд , над которым постоянно работает художник. Получатель, увидев подпись или характеристическую запись, будет подсознательно ассоциировать данного исполнителя.

Как оказалось должность тоже очень важна. На самом деле, современное искусство показывает, что мнения относительно названия могут расходиться. Ряд всемирно известных художников, , называют свои работы не , а только , нумеруя (хотя эти номера обычно имеют дополнительные словесные описания) или давая — или хотя бы название — Без названия .Но, как метко отмечает Бамбергер, можно ли представить книгу, фильм или песню без названия? По-видимому, это возможно, но скорее не используется. Произведение с названием сильнее ассоциируется с , поскольку оно отсылает к конкретному художественному произведению , которое раскапывается в пластах памяти гораздо быстрее, чем безымянная картина. Кроме того, исследования показывают, что работы с названием продаются лучше. Возможно, дело в том, что заголовок является своего рода авторским комментарием, указывающим получателю интерпретационный след , благодаря которому изображение кажется более близким.Поэтому рекомендуется описывать работы в конце картины.

Некоторые художники не любят датировать своих работ на постоянной основе , потому что считают, что покупатели предпочитают покупать только новых работ. И это не совсем так. Знакомства важны по нескольким причинам — во-первых, благодаря этим записям можно анализировать и развивать стиль данного исполнителя, не говоря уже о ценности в контексте последующего рыночного успеха. Некоторые коллекционеры имеют любимых творческих периода и дата записи является для них важным показателем.Кроме того, для опытных покупателей это значение важно само по себе, а полное описание работы аж показывает профессионализм создателя . К тому же - что уже совершенно очевидно - чем известнее художник, тем дороже работы его более раннего периода - конечно, если тот период был хорошим. И где-то там, в самом деле, существует правило, что чем моложе художник, тем коллекционер постоянно хочет наблюдать за развитием данного художника , и поэтому ждет его более новых работ.Но это больше касается записи вашего прогресса или движения назад. Может быть, не стоит так быстро избавляться от первых работ?

Номер. Эта категория скорее актуальна для художников, которые работают в в сфере графики, фотографии или скульптуры . Так как это проекты, которые можно тиражировать, то стоит определить неизменное количество работ в данном издании . Как правило, работы, которые не являются уникальными предметами, обычно продаются на меньше, чем на .Следует также сказать, что, особенно в Польше, получатели оценивают такие проекты ниже, чем картины. Это связано с тем, что большинству из нас хочется чего-то оригинального и единственного в своем роде. Графика, скульптура и фотография не дают нам этого комфорта. Поэтому любой художник, который занимается любой из этих сфер, должен адекватно описывать свое творчество. Наиболее важным - кроме номера ссылки и года создания - является определение номера тиража и порядка в издании.Также стоит - если это правда - записать определенные маркировки (например, AP, HC, EA), придающие работе большую ценность. Покупатели также хотят точно знать сколько таких же работ есть или будет на рынке и что их больше не будет.

Кроме того, вопреки видимости, описание также важно. Люди всегда хотят много знать об искусстве художника и немного больше о нем самом. Они хотят знать детали типа : как создавалась эта работа? При каких обстоятельствах? Что послужило для вас источником вдохновения? и т.д.Итак, давайте напишем для покупателя краткое пояснение, которое приблизит его к смыслу работы. Я понимаю, что художники не любят говорить о своем искусстве , потому что хотят, чтобы оно говорило само за себя. А что, если пьеса не говорит? Каждый реципиент, даже самый искусный, понимает и чувствует по-своему, но это никогда не будет полным реципиентом произведения, которое создал для себя творец. И получатель хочет этого. Я приведу здесь короткий, но очень живописный пример с последней выставки молодой художницы Башки Весоловской под названием Making it POP!, , представляющие фигуративные реализации, основанные на исторических ссылках, которые, по общему признанию, показаны в стиле, характерном для художника, p были преобразованы в более поп-эстетику . Это не меняет того факта, что эти работы, изображающие людей, известных из истории, было довольно легко интерпретировать. Однако, несмотря на то, что он знает каждую историю своей страны, выявились определенные недостатки, делавшие рецепцию содержания, передаваемого художником, неполным. После добавления описаний, созданных художником, посетители выставки открыли для себя истинную глубину этих работ, а сочли художника многообещающим и зрелым, что привело к коммерческому успеху . Люди хотят, чтобы искусство было продуманным, потому что до сих пор господствует убеждение, что " художник намача что-то, и ты, получатель, борешься с чтением послания", которое сам создатель наверное знает .Также стоит помнить, что при проведении выставки или другого вида презентации работы необходимо предоставить текст, объясняющий идею работы , даже включить небольшое интервью на сайте организатора и т.д.

Другая интересная стратегия заключается в том, чтобы поместить произведение искусства в более широкий контекст , который каким-то образом составляет произведение искусства. Когда и где он был сделан? Может быть, в какой-то особый период жизни? Может быть, работа была проделана во время чтения какой-то уникальной книги? Может быть, кто-то или что-то послужило источником вдохновения? Может быть, на это повлияли текущие мысли о чем-то важном? Коллекционеры, которые покупают современное искусство , хотят знать как можно больше о художнике — как о человеке — , а также хотят знать почти все об искусстве, которое он создает.

Дополнительно важно документировать свою работу, о которой мы уже неоднократно писали. Стоит вести список ваших проектов , который будет пополняться всеми пресс-релизами или записями каталога , касающимися данной работы. Все награды, отличия и выставки должны быть описаны в художественной биографии. Также следует собрать отрывки высказываний искусствоведов или другие тексты о собственной деятельности.Эта информация очень важна - особенно после раз - может существенно повлиять на значение. И возвращаясь к нашему примеру — имея два одинаковых произведения искусства — картину, которая была выставлена ​​и задокументирована в многочисленных материалах для прессы и т. д., а другую нет — какое из них вы предпочитаете покупать? Вы должны задать себе важный вопрос: смогу ли я как покупатель купить более дорогую работу только потому, что она уже была показана публике? Опытные коллекционеры смогут.

И последнее напоследок - никто, как художник, не умеет обращаться с произведением искусства, созданным им самим. Было бы неплохо предоставить покупателю / покупателю некоторую форму инструкции о том, как заботиться о них. Этим людям необходимо знать, как данное произведение искусства может вести себя в новом пространстве (изменение влажности в помещении, реакция краски на свет и т. д.) и как за ним ухаживать? Как очистить? Чего следует избегать Не забудьте документ , подтверждающий подлинность работы с вашей собственной подписью — независимо от того, предоставляет ли его галерея, через которую продается картина.

На создание статьи меня вдохновила одна из статей на веб-сайте Алана Бомбергера — «Как сделать так, чтобы ваши работы приносили больше денег».

Кама Врубель
Портал рынка и искусства

.

Закон о правах профессионального художника создаст для нас новую профессиональную черту и бюрократизирует художественную деятельность

Сама идея предоставления артистам специальных пенсионных пособий была ошибочной. Способ его реализации оказывается гораздо хуже. Закон о правах профессионального художника не «цивилизует положение польских художников». Единственное, что это принесет, это новый государственный орган, более высокие налоги и дополнительную ненужную бюрократию.

Закон о правах профессионального художника не принесет никаких новых качеств с точки зрения социального обеспечения для художников

Ни для кого не секрет, что выход на пенсию для художников — идея, которая не пользуется слишком большим общественным признанием.Пенсионные льготы, выплачиваемые за счет дополнительных сборов в пользу государства, на первый взгляд кажутся далекими от принципа социальной справедливости. Тем более, что речь идет о художниках, которые в процессе своей профессиональной деятельности зачастую имеют невообразимые для среднего Ковальского деньги.

Реальность явно сложнее. Помимо хорошо оплачиваемых актеров и музыкантов, у нас также есть изобразительное и перформативное искусство, театр, литература и народное творчество.Министерство культуры также хотело бы включить в эту группу художников-архитекторов. Для тех, кто удивляется, стоит вспомнить памятник папе, бросающему метеорит, или памятник в Смоленске.

Часть арт-сообщества давно боролась за решение «проблемы» своих пенсий. Больше всего средств массовой информации, несомненно, освещали жалобы самых высокооплачиваемых. Министерство культуры также было настроено найти решение. Это Закон о правах профессионального художника.Ее проект только что вынесен на общественное обсуждение.

Оказывается, ничего бесплатного не бывает. Вместо обещанной «цивилизации положения польских художников» мы имеем новый орган и ряд бюрократических обязательств, ложащихся на самих художников. Более того, решения, предлагаемые министерством, похоже, не направлены на удовлетворение базовых потребностей артистов, находящихся в наихудшем финансовом положении.

Закон о правах профессионального художника, если он будет принят в том виде, в каком он был предложен, введет относительно простую систему.Статус «профессиональный художник» дает его обладателю ряд привилегий. Некоторые из них ссылаются на еще не существующие нормативные акты – речь идет об Уставе профессионального художника и неуказанных налоговых правах.

Закон о правах профессионального художника в первую очередь учреждает новый государственный орган

Самой важной будет так называемая "Доплата". Этот термин означает «90 021 от 20 до 80% обязательных взносов социального и медицинского страхования, исчисляемых на основе их начисления, не выше минимального размера оплаты труда». Кроме того, существует « право на уплату социальных и медицинских страховых взносов на условиях, изложенных в отдельных положениях ».

Однако сначала необходимо получить такое разрешение. С этой целью законом учреждается новый орган — Польская палата художников. В его задачи входит рассмотрение вопросов, связанных с правами профессионального художника, предоставление субсидий художникам, ведение реестра профессиональных художников и управление специальным фондом поддержки.

На первый взгляд, можно рискнуть сказать, что мы будем иметь дело со специфической профессиональной чертой художников.Однако следует признать, что законопроект не предусматривает членство в Палате профессиональных художников. Он также не включает никаких обязательств по вступлению в другие организации. Так что не будет, по крайней мере пока, никакого «художественного профессионального самоуправления».

Польская палата художников, конечно же, будет иметь свой совет палаты и своего директора. Совет будет состоять из 14 представителей творческих организаций, так называемых «представительских организаций», 5 кандидатур министра культуры, представителя министра семьи, труда и социальной политики и представителя президента Учреждение социального страхования.

Квалификация профессионального художника будет доступна двумя способами. Во-первых, это документирование вашего творческого результата при условии подтверждения от соответствующей представительной организации. Второй касается выпускников художественных академий со степенью магистра. Однако это еще не конец — следующим шагом будет сохранение полученных разрешений.

Пожалуй, самая большая проблема с Законом о правах профессионального художника заключается в умножении бюрократических обязательств, возлагаемых на художников.Прежде всего, такой человек должен будет постоянно документировать свои творческие и исполнительские достижения. По крайней мере, пока вы не проработаете неопределенное количество лет. Тогда права предоставляются бессрочно.

Минкультуры хочет решить проблему низких пенсий артистов за счет увеличения бюрократии

Более того, так называемая «актуализация прав» основана на получении правообладателем адекватного дохода от художественной деятельности. Закон о правах профессионального художника оставляет решение о конкретных ценностях на усмотрение министра культуры.Однако он устанавливает определенный диапазон. Профессиональный художник должен будет получать доход от 8 до 108 минимальных зарплат за три года.

Права обновлены по просьбе самого исполнителя. Если он пропустит крайний срок и не подаст заявку, его права профессионального артиста истекают по закону. Если художник взимает Доплату и получает право на социальное страхование на ином основании, например, путем заключения трудового договора, он также должен сообщить об этом директору Палаты.

Стоит отметить, что текущие решения не работают по простой причине. Профессиональные художники фактически находятся в таком же положении, как и все остальные люди, работающие по гражданско-правовым договорам. Конечно, они могли бы обеспечить себе пенсию на основе добровольного страхования в ЗУС. Просто у них часто не хватает на это головы во время художественной деятельности. Вот почему пенсии художников часто низкие.

Министерство культуры предлагает еще более сложную и еще более бюрократическую систему, чем нынешняя.С чисто финансовой точки зрения Закон о правах профессионального художника, безусловно, несколько более благоприятен для самих художников, чем дорогостоящая схема добровольного пенсионного страхования. Справедливо предположить, что многие художники также обнаружат, что силы профессионального художника не стоят затраченных усилий.

Трудно отделаться от впечатления, что предложение Минкультуры ошибочно. Он не только не может реально решить проблему низких пенсий художников, но и стремится ее углубить.Это означало бы, что мы имеем дело с достаточно дорогостоящей симуляцией работы. Власть, вместо полумер и новых профессиональных привилегий, должна сосредоточить свои усилия на решениях, которые действительно улучшат положение всех тех, кто вытеснен из системы социального обеспечения.

.90 000 БРЭМ - нам помогает даже художник

Если вы хотите утеплить свою квартиру и ищете интересный и добавляющий характер своей квартире, взгляните на предложение художественных радиаторов для ванных комнат BREM и декоративных радиаторов.

История дизайна радиаторов

Радиаторы декоративные, радиаторы для ванных комнат… До недавнего времени о них мало что говорилось. Радиаторы тоже не разделялись, потому что были просто радиаторы. Серая реальность Польской Народной Республики не предусматривала специализации.Радиатор был обычным оборудованием в квартире, и о его эстетике мало что говорилось.

В настоящее время производитель радиаторов, желая выделиться среди конкурентов, заботится о том, чтобы его радиаторы ...

  • с функцией
  • с эстетикой
  • с оригинальностью
  • с эффективностью
  • универсальный
  • с инновационным
  • разнообразие

Вернемся во времена до коммунистической эпохи.Вот мы и в 1855 году. В городе Санкт-Петербурге. Изобретатель Франк Сан Галл строит первый в мире обогреватель. Затем на протяжении многих лет на рынке преобладает однотипный утеплитель – прямой, сегментный, с характерными ребрами. В квартирах и общественных зданиях находим такие обогреватели:

  • суды
  • офисы
  • музеев

Со временем нам всем надоели одинаковые радиаторы. Наступает эпоха множественных предложений.Сегодня от обилия всевозможных обогревателей можно получить (положительно) головокружение!

Другой характерной чертой является переход от типичной полезности к искусству. Современные покупатели становятся все более требовательными, поэтому не один производитель радиаторов предлагает не столько изделия для утепления дома, сколько маленькие шедевры, сотрудничая с такими известными и талантливыми архитекторами радиаторов, как: Луиджи Брембилла, Пьетро Фачерис, Давиде Брембилла, Габриэлла Альмаджиони или Антонио Пиццоланте. .

Радиаторы для ванных комнат и дизайнерские

Производитель радиаторов предлагает красивые декоративные радиаторы и радиаторы для ванных комнат различных размеров и 80 цветов, включая…

  • сатин
  • глянцевый
  • металлический
  • хром
  • красный
  • желтый
  • бежевый

Вот несколько примеров проектов:

  • CROSS-Q - проект Луиджи Брембиллы, состоящий из больших прямоугольных труб, смонтированных по-разному, образующих композицию из квадратов и прямоугольников.Это очень стильное предложение в сочных красно-синих и более спокойных серых тонах идеально подходит для тех, кто хочет придать интерьеру особый акцент.
  • PINAK HOT - этот радиатор был разработан Никола Евангелисти. Эта композиция состоит из большого черного хрустального зеркала, разбитого красным светом, обрамленного декоративным радиатором. Это предложение для тех, кто ценит оригинальность, функциональность и большую дозу эстетики.
  • MOSSO - радиатор разработан Рино Каррара.Экономичный по цвету и форме, с тонким оттенком утонченности. Чувственное сочетание серого и черного. Вишенкой на торте является сдержанный и характерный мотив волны. Для тех, кто ценит элегантность, хороший вкус и креативность.
  • SLIDE — декоративный радиатор для ванной комнаты — проект Давиде Брембилла. В цветах сочного красного, универсального белого и вдохновляющего серого. Динамичная композиция из двух прямоугольников и высокая эффективность нагрева. Для тех, кто ищет оригинальный, но приглушенный акцент в ванной комнате.

.90,000 Музей напомнит нам о выдающемся художнике из Казимежа - Это наш край

В эти выходные гости главного здания Вислинского музея узнают, что Галерея временных выставок снова преобразилась. Там уже готовится новая выставка, которая пробудет в музее несколько месяцев.

В ближайшее воскресенье состоится открытие работ Анджея Семинского - художника, который на многих этапах жизни был связан с Казимиром Дольным.Именно здесь прошло его детство и именно сюда он вернулся через много лет, на последний десяток лет своей жизни. Работы Анджея Семинского известны каждому, кто хотя бы раз побывал в приходской церкви в Казимеже, ведь именно этот художник нарисовал местные Крестные пути. Кроме того, он также был соучредителем Казимежского братства искусств.

На новой выставке в Вислинском музее будут собраны работы, которые он создавал на протяжении всей своей жизни, а это значит, что каждый зритель сможет лучше узнать этого художника и его работы. Во время вернисажа вы сможете узнать, как художник создавал в своих картинах универсальные сюжеты, хотя его вдохновлял очень специфический город на Висле и люди, которых он здесь встречал.

Открытие выставки «Анджей Семинский. Дух и место» пройдет в штаб-квартире Музея Вислы в Казимеж-Дольны в это воскресенье (19 января). Желающие должны прибыть по телефону 12.00 по адресу Rynek 19.

.90 000 художников, отобранных у нас Варшавским восстанием. Что бы они написали или сыграли, если бы выжили?

Написал бы Кшиштоф Камиль Бачиньский много прекрасных стихов, если бы не вспыхнуло Варшавское восстание? Осмелюсь сказать нет. Он бы все равно умер. Потому что болезненный, талантливый молодой поэт невероятно рвался воевать, хотя, как сообщали его коллеги, не имел к этому предрасположенности. Восстание для Бачинского было лишь предлогом, чтобы доказать коллегам, что он умеет сражаться.Если бы не порыв, рано или поздно он оказался бы в каком-то строю или рисковал бы одиночным столкновением с противником.

Изабела Край, редактор "Супер Экспресс"

Нельзя не начать с Бачинского, говоря о художниках, которых у нас забрало Варшавское восстание. Этот поэт родился ровно 100 лет назад. Погиб 4 августа 1944 года в Бланковом дворце от выстрела немецкого снайпера, прицелившегося в здание Большого театра. Буквально за несколько дней до этого, узнав, что Бачиньский присоединился к диверсионному отряду, Станислав Пигонь произнес знаменитую фразу: «Ну, мы принадлежим к нации, чья судьба — стрелять во врага алмазами».В этом году этот бриллиант сияет еще ярче. По решению Сейма Кшиштоф Камиль Бачиньский является покровителем 2021 года. В его лице также отдавали дань уважения другим поэтам поколения Колумба, погибшим во время немецкой оккупации, - Тадеушу Гайцу, Яну Ромоцкому «Морро», Здиславу Стройньскому и Анджею Тшебиньскому. Последний умер до восстания 1943 года. В своем дневнике он записал: «История поглотит нас. Молодые, двадцатилетние парни. Мы не будем Мохнацкими, Мицкевичами и Норвидами нашего времени.«Они действительно не стали Мицкевичем. Они этого не сделали. Но и их история не поглотила. Все они принадлежали к поколению Колумба, чьи взгляды, трагический опыт и связанные с ними дилеммы напрямую повлияли на форму и значение военной литературы. Потому что их творчество времен апокалипсиса было настолько тягостным, насыщенным, сильным и душевным, что навсегда останется в литературных книгах.

Варшавское восстание забрало у нас и автора песни - икону повстанческого восстания под названием "Михаиловский дворец".Юзеф Щепаньский «Зютек» пережил Бачиньского всего на пять недель. Но во время восстания пять недель равняются пяти годам. Командир группы в «Парасоле» в это время участвовал в боях на Воле в районе ул. Вольска, Житня, пл. Кладбища Керцелего и Воля. Через руины гетто он пробрался в Старый город. Там, узнав об остановившихся на подступах к Праге советских войсках, он написал стихотворение «Красная чума». 1 сентября получил тяжелое ранение на ул. В стиле барокко он был перенесен в Средместье по канализации.Он умер 10 сентября.

Насколько отличался художник от Бачинского - сколько песен он мог еще написать. Сколько стихов сочинить? Вырастет ли бард батальона «Зонтик» кем-то вроде Яцека Качмарского? А может быть, если бы не было вдохновения войны, он бы нашел, что и писать-то не о чем? На этот вопрос нет ответа.

Среди более чем 200 000 жертв Варшавского восстания было много художников - не только поэтов, но и музыкантов и актеров.

30 августа 1944 года скончалась великая актриса Мария Пшибылко-Потоцкая, для которой Арнольд Шифман должен был построить Польский театр.в собственной квартире, прижатая дверью, сорванной взрывом с петель. Похоронена в повстанческой могиле на заднем дворе. Год спустя ее эксгумировали в могилу на Повонзком кладбище в Варшаве.

На кладбище повстанцев на Воле нашел свое последнее пристанище Збигнев Раковецкий – перспективный актер молодого поколения, в 1930-е годы снимавшийся в «Дзеях сину», «Папа женится» или «Солдат мадагаскарской королевы». . Перед часом «Ч» актер отправился в часть Армии Крайовой в Охоте. Уже

5 августа попал в плен и расстрелян бригадами "РОНА" - формированием, составленным из советских военнопленных, известным своей жестокостью.

В кошмаре умер еще один актер - Юзеф Орвид, ведущий довоенный комик, в фильмах "Додек на фронте" или "Министр танцует". Погиб 13 августа 1944 года при взрыве так называемого «бака-ловушки» на ул. Килински в старом городе, то есть фактически немецкий "голиаф"...

Кем будет после войны Кристина Крахельская псевдо. «Данута», которая позировала скульптору Людвике Ницшовой как прототип статуи Русалки? Станет ли она моделью или, может быть, великим журналистом? А может, выдающийся исследователь в области этнографии или географии (она изучала эти факультеты)? Крахельска также работала на Польском радио в Вильнюсе и Варшаве.Медсестра «Данута» скончалась от ран 2 августа в повстанческом госпитале.

Список этих талантов, потерянных во время Варшавского восстания, конечно, намного длиннее. По случаю 77-й годовщины восстания и в год, посвященный Бачинскому, смерть всех этих молодых художников заслуживает дополнительного внимания. Значительная часть варшавской интеллигенции погибла в ходе Варшавского восстания. Такое обобщение неизбежно приводит к вопросу: «А нужно ли было Варшавское восстание, раз мы так много потеряли?»Я им отвечаю словами самих повстанцев: - Восстание в той или иной форме должно было вспыхнуть. Никто не остановит накопившуюся в варшавянах энергию. А мы тогда не рассчитывали. Был приказ и была воля к бою, вот мы и сражались. Про Варшаву и Польшу - мне как-то сказал генерал Збигнев Шибор-Рыльский. Артистам тоже приходилось драться? Им не нужно было, но они хотели. И мы должны довольствоваться тем, что они оставили до того, как в них попадут пули или обломки разрушенных домов.

.90,000 "ВСЕ БУДЕТ ХОРОШО" - произведение польских художников для поднятия настроения - Польша в Ирландии

"ВСЁ БУДЕТ ХОРОШО" - произведение польских художников для поднятия настроения

08.04.2020

Польские музыканты объединяются в этом произведении с миллионами людей по всему миру под лозунгом #szystkobędziedobrze / #andratuttobene / #Everythingwillbefine / #aalleswirdgut / #todoestarabien

Программный офис "Niepodległa" вместе с известными артистами польской музыкальной сцены создал песню "Все будет хорошо".Солидарность – одна из важнейших межличностных ценностей, особенно близкая полякам – в трудные времена мы способны объединиться и вместе противостоять кризису. Офис программы «Неподлегла» вместе со звездами польской музыки подготовил проект, напоминающий нам о том, что и во время пандемии, когда нас сопровождает тревога, несмотря на необходимость соблюдать физическую дистанцию, мы по-прежнему вместе и вместе мы сумеем пережить трудные времена.

Дирекция программ "Неподлегла" пригласила на уникальный музыкальный проект исполнителей, которые подбадривают нас всех вместе и напоминают, что хотя сейчас время репетиций, но скоро мы вернемся к нормальной жизни.

В том, что все будет хорошо, нас уверяют: Войцех Цуговский, Эдита Голец, Лукаш Голец, Павел Голец, Наталья Кавалец, Петр Купича (Feel), Галина Млынкова, Петр Солодуха (Эней), группа TULIA и Роксана Венгель. Автор слов и музыки — Войцех Бирский, музыкальный продюсер — Марчин Киндла.

Миллионы людей по всему миру теперь делятся одним сообщением: # все будет хорошо. Хотя в повседневной жизни мы разные, мы должны показать наше единство и солидарность перед лицом пандемии.Давайте покажем миру, что мы вместе и давайте вместе споем, поставив музыкальную границу вирусу - будем верить, что скоро #все будет хорошо.

Произведение записано и подготовлено в соответствии с требованиями режима эпидемии - каждый артист записал свою партию индивидуально в соответствии с рекомендацией #оставатьсядома. Приглашаем всех остаться дома - по возможности - и спеть #все вместе.

Видео

.

Смотрите также